Rémi Noël n’a pas commencé la photographie à 6 ans avec le Rolleiflex de son grand-père.
C’est à 30 ans qu’il se laisse aller à son désir d’images et réalise quelques natures mortes, dans son appartement parisien. Formé à la publicité et à son langage, il aime la concision : en littérature, il a tendance à préférer les nouvelles et en cinéma, les courts métrages. Photographe, il s’attache à raconter de brèves histoires, saisit d’un coup d’œil. Rapidement, il quitte les intérieurs parisiens et s’embarque dans des expéditions annuelles, d’une dizaine de jours, vers l’Ouest américain. Il y revisite, toujours en noir et blanc,  les archétypes du mythe américain : les motels, leurs enseignes lumineuses, les étendues désertiques et ces highways qui les pourfendent. Souvent Noël intègre une image dans l’image ; elle peut être empruntée à l’histoire de l’art la plus éminente (telle que L’Origine du Monde de Courbet) ou à la culture de série Z ou d’aérogare (Le Secret des Antarix ou la pin up du puzzle). Toutes références visuelles remixées dans la photographie de Rémi Noël pour aboutir à une image ludique, qui nous adresse des clins d’œil subreptices.

Vous avez commencé rédacteur en agence de publicité, aujourd’hui vous êtes directeur de création. Entre temps vous êtes devenu photographe. Comment l’image est-elle arrivée dans votre vie ?
Je me suis mis tardivement à la photographie. Je n’avais pas fait d’école d’art graphique et suis entré en agence de pub comme rédacteur. Je n’avais pas vraiment de culture visuelle mais au contact des directeurs artistiques, des photographes, je me suis aperçu que mon intérêt se portait vraiment sur l’image, sans que j’ai pour autant aucune notion technique. En tant que rédacteur, je n’avais pas le droit à l’image. Je me suis mis à faire des photos pour combler un peu cette frustration. Et puis, dans la pub, tout finit toujours avec un logo dans un coin, la pratique de la photo me permettait cet exercice de création plus libre. Je devais avoir 30 ans quand je m’y suis mis. Et rapidement, je me suis aperçu que ça m’intéressait vraiment, voire que ça m’obsédait.

Votre pratique de la photographie est très liée au voyage…
Oui toujours, j’ai besoin d’être à l’Étranger. En France, le décor m’est trop familier, ça ne m’inspire pas. Je photographie quasi exclusivement aux Etats-Unis, parce que ce n’est pas si loin de la France : c’est occidental, moderne, les ingrédients sont presque les mêmes, mais il y a toujours une pointe d’exotisme. Je pars une fois par an aux Etats-Unis, seul, dix jours, faire des photos. En dehors de ce temps-là, je ne me balade pas avec un appareil.
Les seules photos que j’ai faites à Paris, ce sont des natures mortes, réalisées chez moi, tout au début.

Pourquoi êtes-vous plus attiré par l’Ouest américain, les grands espaces ?
Il y a une forme de simplicité, d’épure dans ces paysages. Je pars souvent dans les États du Sud, Sud-Ouest, le Texas ou la Californie, souvent en hiver, pour la lumière et le climat, plus clément. J’ai du mal à photographier dans des environnements urbains, des lieux saturés, certainement parce que je suis un peu timide et que j’ai besoin d’une certaine zone de tranquillité quand je photographie.  

Ces étendues donnent l’impression d’être un peu comme une toile où installer vos mises en scène, c’est comme cela que vous les envisagez ?
J’aime les images où il ne se passe rien, purement contemplatives, mais il y en a d’autres pour faire ça, qui le font très bien. Peut-être par déformation professionnelle, j’aime toujours les images où il se passe quelque chose, où il y a une idée. Dans ma pratique, j’essaie toujours de raconter une petite histoire et qu’elle soit assez simple. C’est peut-être aussi pour cela que j’ai choisi le noir et blanc, pour aller directement à l’idée, être plus synthétique. Quand je fais de la couleur, j’ai l’impression de me disperser.
Quand j’introduis un objet ou une figurine de Batman comme j’ai pu souvent le faire dans un paysage, ils tiennent un peu le rôle d’alibis, ils m’autorisent à planter mon trépied dans un paysage magnifique que j’aurais du mal à photographier juste pour lui-même.

Beaucoup de vos images sont référencées, mais le spectre des références est très large ! De Courbet à la série Z ?
Oui c’est ça, je dirais que ça va de Hopper à Snoopy,. C’est ma profession qui veut ça certainement : être une éponge, absorber tout ce qui m’environne.
Quand j’étais môme, j’adorais Sempé, aujourd’hui j’aime autant les cartoonistes américains pour leur esprit, leur clins d’œil toujours présents que Friedlander, Boubat ou Courbet.

Préparez-vous vos images en amont ? Quelle part laissez-vous au hasard ?
Avant de partir pour les Etats-Unis, j’ai des images en tête, qui me viennent tout au long de l’année, que je note. Souvent, je fais un croquis, et sur place, j’attends le bon moment, le bon endroit.
Dans ces deux images par exemple, je cherchais depuis un moment ce puzzle, j’ai fini par le trouver, je l’ai acheté à un vendeur américain via eBay et suis revenu aux États-Unis avec. Le livre aussi je l’ai emmené dans ma valise.
Je pars avec ces idées que je veux réaliser, parfois je réussis, parfois je les rate, et les retente l’année suivante. Il y a cette constance dans mon travail, qui se ressent je crois dans ces deux images : elles ont 10 ans d’intervalle, mais elles pourraient être contemporaines.
J’ai mes habitudes aussi, je travaille toujours en argentique, avec le même appareil et le même objectif 50 mm. Je travaille avec la lumière du jour ou la lumière artificielle ambiante. Je n’ai pas de lumière, de flashs, etc. je n’ai qu’un pied qui permet au moins de faire des temps de pose assez longs si la source lumineuse est trop faible. Comme dans cette chambre d’hôtel. C’est très artisanal, et ça laisse toujours place au hasard. Pour Flying Saucer par exemple, j’avais tout prévu, et puis il y a cette voiture qui est arrivée en face, pleins phares allumés, elle tombait à pic. Il y a toujours ces petits accidents heureux qui rendent l’image vivante et magique.