Qui sont ces visages fantomatiques émergeant de l'obscurité ?Les
visages qui apparaissent dans mes photographies sont ceux de passagers
du métro, attendant leur train, à la station de la 125e rue à New York.
Je les ai enregistrés avec une caméra vidéo – depuis la fenêtre de ma
chambre, qui donnait sur le quai – alors qu’ils attendaient seuls, la
nuit. J’ai extrait des images de ces rushs, puis j’ai réalisé d’après
elles des négatifs papier, à partir desquels enfin, j’ai fait un tirage
argentique.
Les visages dépeints sont des figures isolées,
privées de leur environnement et même de leur corps. Les capturant
incognito, vous vous tenez dans une position très lointaine par rapport à
vos sujets. Diriez-vous que cet état d’isolement est emblématique de la
vie en ville, spécialement dans une ville telle que New York ?La
part la plus intéressante de ce travail était cette opportunité
d’observer des gens, dans un endroit public s’il en est comme le métro,
alors qu’ils étaient seuls, ou plutôt se croyaient seuls. L’état
d’isolement dont le sujet fait l’expérience, et sa réaction face à ce
sentiment, se lit dans ses expressions faciales, que j’ai, à mon tour,
isolées. Il y a de nombreux degrés de séparation dans ces images : entre
moi et le sujet, entre le sujet et son environnement, entre l’image
vidéo initiale et la photographie finale, autant de degrés qui parlent
aussi de la séparation et de l’isolement que l’on ressent à vivre dans
une ville comme New York.
Vous avez fixé ces personnes dans
un moment rare – celui de l’oubli de soi face au monde, celui de
l’introspection. Définiriez-vous ces images comme des portraits ?Je
ne qualifierais pas ces images de portraits au sens traditionnel. À
travers le processus d’élaboration de l’image, les visages se déforment,
se brouillent ; parfois, ils sont tellement dépourvus de détails qu’ils
en deviennent méconnaissables. Cette série n’est donc pas une série de
portraits individuels, mais plutôt de portraits de sentiments,
d’expressions et de gestes, tous universels.
Dans un sens,
vos images reflètent un double paradoxe : d’une part, elles sont d’une
extrême richesse picturale, alors qu’elles proviennent d’un médium – la
vidéo – d’une définition et d’une qualité pauvre ; d’autre part, elles
suggèrent un sentiment d’intimité avec ces visages, alors que le métro
est le lieu de l’anonymat.Pour moi, ces images sont comme des
mémentos. Alors que je n’ai effectivement aucune idée de qui sont ces
personnes, j’ai cependant le sentiment d’avoir partagé avec elles un
moment dans le temps, qui a laissé sur moi une « empreinte » durable. Ce
sentiment se reflète dans la façon dont les images se sont
matérialisées, processus qui contribue selon moi à souligner la beauté
et l’intrigue contenues dans chacun de ces mystérieux visages.
Édition limitée, numérotée et signée par l’artiste.
Née aux États-Unis, Amy Adams pratique un art qui explore la matière du médium photographique et la nature chimique de l'image. Chez elle, l'image est au plus près de son étymologie, imago : le portrait d'ancêtre, le fantôme. Dans une série de portraits noir charbon (ici proposés), rappelant le pictorialisme du début du XXe siècle, elle capture les présences silencieuses et lointaines d'inconnus. Dans Autochthonous, elle met en scène des figures drapées s'évanouissant dans des paysages qui semblent, par un processus de tirage particulier, comme vaporisés d'une brume picturale. Et dans une autre de ses séries, Ephemera, elle s'approche encore plus explicitement de la matière et photographie des fluides qui s'oxydent, ou des cristaux de givre.
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